Prieteni, bună după-amiază. Sâmbătă am avut norocul să vizităm expoziția unică a capodoperelor Vaticanului, aveți totuși ocazia să o vedeți timp de două luni, nu ratați.

Expoziția are loc în Clădirea de Inginerie a Galeriei de Stat Tretyakov (Lavrushinsky Pereulok, 12), în perioada 25 noiembrie 2016 - 19 februarie 2017. Din păcate, nu va fi posibil să cumpărați bilete de pe site-ul web, dar puteți veni în siguranță la muzeu și să cumpărați un bilet chiar la fața locului, la casă. în ciuda numărului mare de vizitatori, nu am văzut nicio coadă.

Ore de lucru:

marți, miercuri, duminică între orele 10.00 și 18.00 (intrare până la ora 17.00)

joi, vineri, sâmbătă între orele 10.00 și 21.00 (intrare până la ora 20.00)

luni este o zi liberă.

Luați câteva ore pentru a vedea expoziția, în mod clar o oră nu este suficientă.

Sincer, sunt încă impresionat, nici măcar nu știu de unde să încep. Sunt prezentate lucrări din secolele XII-XVIII. Aceasta este a zecea parte a colecției, care include 460 de lucrări. Este interesant faptul că o serie de tablouri și-au părăsit pereții autohtoni pentru prima dată, având în vedere că nu toată lumea, în lumina înăspririi politicii economice, își poate permite să călătorească în străinătate, cred că suntem foarte norocoși și vă recomand să folosiți această șansă, cu siguranță nu veți rămâne indiferenti. Din păcate, fotografierea la expoziție este strict interzisă, așa că am luat toate fotografiile de pe Internet, iar descrierea din broșura din expoziție și din memorie este ceea ce am reușit să-mi amintesc din ghidul audio.

Expoziția începe cu cea mai rară icoană antică „Hristos Binecuvântarea”, creată în a doua jumătate a secolului al XII-lea de un maestru care lucrează la Roma sub influența picturii bizantine. Înainte de a intra în Pinacoteca, ea se afla în biserica Santa Maria din Campo Marzio, una dintre cele mai vechi din Roma. Stăpânul roman l-a prezentat pe Iisus Hristos după chipul lui Pantokrator, adică conducătorul Universului și al icoanei, fiind o analogie a vechilor imagini rusești ale Mântuitorului Atotputernic, păstrează memoria unității Bisericii creștine înainte de schismă, adică înainte de împărțirea ei în catolic și ortodox și arată o relație directă între italian și rus. arta emanând din aceeași rădăcină.

Expoziția continuă cu Margaritone di Magnano, poreclită Margaritone d'Arezzo aprox. 1216-1290).
Sfântul Francisc din Assisi. 1250-1270. Altar. Tempera pe lemn, aur. 127,2 × 53,9 cm.
„Margaritone d’Arezzo, care s-a născut înainte de Giotto și Duccio, este unul dintre cei mai mari pictori ai Italiei medievale. Pictura a fost inclusă în toate manualele despre istoria artei ca un exemplu de excepție al stilului romanic târziu, dar este, de asemenea, interesantă, deoarece este una dintre cele mai vechi imagini cu Sfântul Francisc din Assisi, realizată la scurt timp după canonizarea sa în 1228. Sfântul Francisc a jucat un rol important în istoria Bisericii occidentale, nu este degeaba că numele său a fost ales de actualul papă, care a devenit primul Francisc din istoria Vaticanului. Această lucrare ar fi fost exact cea pe care Vasari a descris-o în Viața lui Margaritone drept pictată din viață, astfel încât poate fi considerată aproape unul dintre primele portrete din pictura italiană ".

Am fost șocat atât de icoanele în sine, cât și de păstrarea lor, gândiți-vă la asta, acesta este secolul 12-13!

Nu mă voi lăsa pe toate exponatele, le voi nota doar pe cele care, cel mai mult, s-au scufundat în sufletul meu și m-au șocat cu îndemânarea lor. Continuând turul nostru în prima cameră, aș dori să vă atrag atenția asupra a 3 fresce de Melozzo degli Ambrosi, poreclit Melozzo da Forli (1438-1494).
Îngerii jucând lauta. 1480. Fragmente dintr-o frescă scoase din zid. Dreapta: 117 × 93,5 cm.
Artistul „... a fost invitat la Roma de Papa Sixtus al IV-lea. A creat numeroase fresce în bisericile romane, astfel încât Melozzo a putut fi considerat fondatorul școlii romane, care a înflorit în secolele XVI-XVII. Trei îngeri cântând muzică - fragmente din tabloul său pe cupola Bisericii lui Santi Apostoli, o imensă compoziție cu mai multe figuri „Înălțarea lui Hristos”.
Fresca a fost percepută de contemporani ca un triumf al puterii papale, care a reînviat Roma. Orchestra divină a îngerilor a simbolizat frumusețea neobișnuită a paradisului, iar conceptul abstract de „muzică a cerului” este asociat cu construcțiile filozofice ale modelului lumii, despre care au vorbit pitagoreii și platoniștii. Melozzo, ca artist al Renașterii, combină tradițiile antice și creștine în opera sa. Îngerii Săi, glorificându-L pe Domnul după cuvintele Bibliei: „Lăudați numele Lui cu fețe, pe timpan și psalterie, lăsați-i să cânte Lui, căci Domnul încântă în poporul Său, slăvește pe cei smeriți cu mântuire”, sunt ideali, precum statuile antice și, în același timp, vitale - arată ca pagini tinere la curțile conducătorilor Renașterii ”.

Fresca „Îngerul care cântă viola”, nu atât de multe dintre lucrările lui Melozzo au ajuns până la noi, cele mai multe fresce ale sale au murit în timpul restructurării, dar prin ceea ce rămâne, se poate judeca amploarea talentului său. Melozzo, apelând la mostre medievale, a inspirat o nouă viață, anticipându-i pe Michelangelo, Rafael și Correggio și pictura pe cupolele bisericilor baroce.

De remarcat este și opera lui Gentile da Fabriano (c. 1370-1427).
Scene din viața Sfântului Nicolae Minunatul: Sfântul Nicolae calmează furtuna și salvează nava. O.K. 1425. Limita. Tempera pe lemn. Dar este interesant nu atât pentru complotul său, cât și pentru faptul că autorul înfățișează pământul aici drept rotund, ceea ce pentru acele vremuri este o inovație absolută. Privește linia orizontului.

Ei bine, nu mă pot abține să fiu atent la una dintre exponatele centrale ale primei săli a lui Giovanni Bellini (c. 1432-1516). Lamentarea lui Hristos cu Iosif din Arimatea, Nicodim și Maria Magdalena. O.K. 1471-1474. Altarul de sus. Ulei pe lemn. 107 × 84 cm.
„Bellini este cel mai mare pictor al școlii venețiene din secolul al XV-lea. Acest tablou este una dintre capodoperele sale. Ea a fost vârful unui mare altar, iar în compoziția sa Bellini face un pas decisiv spre măreția calmă a Înaltei Renașteri, depășind mulți dintre artiștii săi florentini contemporani. Lucrarea este de avangardă pentru faptul că este pictată în ulei, într-o tehnică complet nouă pentru Italia, adusă tocmai la Veneția din Olanda. Iconografia este de asemenea originală. De obicei, persoana principală în scena doliu este Fecioara Maria. Aici sunt înfățișați doar Iosif din Arimatea, Sfântul Nicodim și Maria Magdalena, sprijinindu-l pe Isus din spate. Tăcerea în care se scufundă personajele, subliniată de tensiunea brațelor împletite, conferă acestei scene o acuitate psihologică rară.

Considerând tabloul lui Carlo Crivelli (1435-1494). Doliu. 1488. Lunetta. Tempera pe lemn, aur. În general, timp îndelungat nu am putut înțelege tehnica în care a fost realizată, lucrarea este atât de delicată încât pare că imaginea este țesută din brocart, acest lucru este uimitor, nu am mai văzut niciodată așa ceva.
„Carlo Crivelli, un venețian de la naștere, și-a părăsit orașul natal timpuriu și a devenit celebru în regiunea Marche. A fost popular în timpul vieții sale, dar mai târziu a fost uitat și redescoperit abia la sfârșitul secolului XIX. Această lunetă, care a încununat marele altar, este una dintre cele mai marcante lucrări ale sale. De dragul expresivității, artistul merge pentru încălcări evidente ale proporțiilor, iar pentru a țese mâinile lui Isus, Fecioara Maria și Magdalena laolaltă, Crivelli face mâna dreaptă a lui Hristos mult mai mult decât stânga. Chipul Magdalenei, aplecat peste un nod de palme, distorsionat de plâns, devine centrul emoțional al imaginii. Cea mai puternică influență a goticului nordic este resimțită în lucrare și se caracterizează prin acea incredibilă intensitate a experienței psihologice caracteristice mișcărilor religioase mistice ale secolului al XV-lea. "

majoritatea lucrărilor cu comploturile lor ne duc la locul unde a avut loc Nașterea lui Hristos și alte evenimente

Trecând la a doua sală a expoziției, vreau să încep prin a descrie tabloul care m-a lovit cel mai mult, și anume tabloul lui Guido Reni „Sfântul Matei și Îngerul”, 1635-1640. Dimensiunea tabloului este de 85 × 68 cm, ulei pe pânză. Sfântul Matei, nume original Levi, unul dintre cei doisprezece apostoli și autor al primei Evanghelii. Reni a pictat această imagine de aproximativ cinci ani, deja la vârsta adultă. „Sfântul Matei și Îngerul” este considerat una dintre cele mai semnificative lucrări ale artistului din ultima perioadă a operei sale. Magia privirii lui Matei și a îngerului este izbitoare, cum o ascultă pe celălalt, cu ce precizie și grație uimitoare artistul a fost capabil să transmită gama complexă de sentimente atât în \u200b\u200bpunctele lor de vedere.

Al doilea tablou în ceea ce privește puterea de influență asupra mea a fost tabloul atribuit Pensionante del Saraceni „Negarea Sfântului Petru”. Până în 1943, pictura a fost considerată opera lui Caravaggio, dar atunci a fost atribuită unui student al lui Carlo Saraceni, unul dintre principalii reprezentanți ai caravaggismului timpuriu. Numele studentului nu a fost încă stabilit, iar el este numit în mod convențional „Pensionante del Saraceni”, ceea ce în italiană înseamnă „oaspete al Sărăcenilor”. Pânzele sale ies în evidență printre operele altor caravaggi: artistul nu cufundă fundalul în întuneric, ci luminează întreaga imagine cu o lumină chiar irescentă. Graficul imaginii este povestea evanghelică a abdicării Apostolului Petru. În noaptea dinainte de a fi pus în arest, Isus i-a prezis că va refuza de trei ori înaintea primelor cocoșe. La Petru, care aștepta vești la porțile casei marelui preot, unde a fost luat Iisus arestat, un slujitor s-a apropiat și, recunoscându-l, i-a spus: „Și ea este cu Iisus din Galilea”, dar apostolul a negat. În imagine, chipul lui Petru este în umbră, ca și cum și-ar ascunde rușinea. ...

Una dintre lucrările centrale ale celei de-a doua camere este Michelangelo Merisi, poreclit Caravaggio, The Entombment, pe care artistul l-a pictat pentru templul roman Santa Maria della Valicella. Este considerată una dintre cele mai bune din activitatea sa. Compoziția „Plasată în sicriu” este construită în așa fel încât privitorul să o privească involuntar să devină o parte a imaginii. Mormântul de piatră în care vor să-l pună pe Hristos, unul dintre colțuri este îndreptat către privitor - acest colț, așa cum s-a spus, străbate o barieră subțire între lumea imaginii și realitatea obișnuită. Impresia este întărită de cotul ascuțit al lui Nicodim care îl ține pe Iisus de picioare. Se pare că vor să transfere trupul nemuritor al lui Hristos celui care privește tabloul.

Tânăra Maria a înghețat într-un țipăt tăcut, ridicându-și mâinile spre cer, cu părul lipit în direcții diferite - se pare că le sfâșie în gemete. Capul Mariei Magdalena este coborât cu jale, își ascunde lacrimile, îngrijorat de pierdere. Mama lui Isus nu plânge și nu țipă, ea privește în tăcere chipul fiului ei, știind că nu îl va mai vedea niciodată. Chipurile bărbaților sunt concentrate și jale.

Ioan, încruntat, se uită pe fața fără viață a Învățătorului său, și Nicodim puternic și împovărat privește în josul mormântului, încordându-se sub greutatea trupului lui Isus. Trupul lui Hristos este lipsit de orice nuanțe de cadavru, este palid, ca și cum ar fi pierdut toate culorile vieții.

Desigur, unele dintre cele mai semnificative exponate sunt cele două mici grisailles ale lui Rafael Santi care au format predela altarului pentru Biserica San Francesco al Prato din Perugia, cunoscută sub numele de Altarul Baglioni, în centrul căreia se afla Înmormântarea, acum adăpostită în Galleria Borghese. „Credința”, partea laterală a predelinei, apare sub forma unei figuri feminine cu un potir în mână; putti în nișele laterale țin tablete cu mograme de numele lui Isus.

În sala a treia, ni se prezintă seria „Observații astronomice”, Soarele, Luna, Mercur, Venus, Marte, Jupiter, Satupn, Cometa. O serie neobișnuită de picturi, introduse într-un singur cadru, care prezintă observații nocturne ale tuturor planetelor sistemului solar cunoscute la acea vreme, a fost creată de artistul bolognese Donato Creți, prin ordinul contelui Luigi Ferdinando Marsili, astronom amator. Contele a decis să trimită tablourile către Papa Clement 11, sperând în acest fel să-l convingă să aloce bani pentru construcția unui observator din Bologna și să-și atingă obiectivul, fondurile au fost alocate.

La arhivă. Expoziție de la Vatican Pinakothek la Moscova.
Partea 2 din 4: de la Ercole de Roberti la Veronese. Caravaggio. Poussin.

Toate lucrările [*] expoziții „Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek din Vatican. Bellini, Raphael, Caravaggio ". Continuare

[*] 35 sau 42 de bucăți - în funcție de modul în care contați.

Expoziția prezintă lucrări din 6 secole - din secolele XII-XVIII.

Fotografia la expoziție era strict interzisă.

Ercole de Roberti (cca. 1450, Ferrara - 1496, Ferrara). Miracolele Sf. Vincenzo Ferrer: Vindecarea unei femei în muncă - Învierea unui evreu bogat - Vindecarea unui bărbat șchiop - Salvarea unui copil dintr-o casă arzătoare - Învierea unui copil ucis de o mamă nebună. 1473. Limita. Tempera pe lemn. 30 x 215 cm.

"În secolul al XV-lea, Ferrara a înflorit sub ducii d'E" Este, devenind un centru cultural influent al Renașterii Italiei. Ercole de Roberti este unul dintre cei mai originali artiști ai școlii Ferrara. Predela sa este considerată predela cea mai sofisticată a Renașterii. Este dedicată faptelor sfântului spaniol Vincenzo Ferrer și plin de spiritul misterios și seducător al Ferrara ”.

3.


Ercole de Roberti. Limitele Polipticului Griffoni. Fragment.

"Primire. Înainte de demontare în secolul al XVIII-lea în Biserica San Petronio, Bologna; din 1839 - în Inv. 40286 Pinacoteca Vatican.

Această predelină, închinată faptelor Sfântului Vincenzo Ferrer, făcea parte dintr-un altar creat pentru capela Floriano Griffoni din templul principal al Bologna, Catedrala din San Petronio. Altarul cunoscut sub numele de polipeptic Griffoni, demontat în secolul al XVIII-lea, rămâne cea mai clară dovadă vizuală a lucrării comune a lui Ercole de Roberti și a profesorului său, Francesco del Cossa și arată cum artistul aspirant a reușit nu numai să-și afirme independența, ci și, potrivit lui Vasari, chiar și-a depășit profesorul. ... Aspectul general al altarului a fost reconstruit de Roberto Longhi (1934), mai târziu fidelitatea reconstrucției sale a fost confirmată de un desen din secolul al XVIII-lea, găsit accidental, realizat de Stefano Orlandi, înainte de demontarea polipepticului.

4.

O posibilă reconstrucție care arată amplasarea diferitelor părți ale polipepticului Griffoni. Nu știu despre ce tip de reconstrucție vorbește catalogul / Polittico Griffoni: una dintre reconstrucțiile sugerate care indică poziția relativă a diferitelor panouri. Tehnologie digitală aplicată la re-unificarea unui retablul împrăștiat.

În centrul polipepticului a fost amplasată imaginea principală a Sf. Vincenzo Ferrer [Această imagine a lui Vincent Ferrer de Francesco del Cossa poate fi găsită pe site-ul web al Galeriei Naționale din Londra: Saint Vincent Ferrer, probabil aproximativ 1473-1475, Francesco del Cossa - aprox. gorbutovich], un călugăr dominican spaniol, canonizat în 1455. De o parte și de alta a acesteia sunt picturi mari: doi sfinți în picioare, iar în registrul superior se află două imagini de jumătate de lungime ale sfinților și medalioanelor cu scene „Răstignirea” (în centru) și „Buna Vestire” (pe laturi). Lucrarea de pe altar trebuie să fi fost finalizată la scurt timp după ce sculptorul în lemn Agostino de Marchi a fost plătit pentru realizarea ramelor, adică după 19 iulie 1473. Lucrarea a intrat în colecția Vaticanului sub numele de Benozzo Gozzoli, iar predela a fost recent recunoscută drept opera lui Ercole de Roberti, deși Vasari și-a evidențiat autorul.

5.

Fragment. Pe Internet puteți găsi imagini de maximă calitate. Poate există ceva undeva pe paginile personale din rețelele de socializare, dar nu am putut găsi / Predella (detaliu). Panouri din Polipticul Griffoni de Ercole de "Roberti. Polyptich: 1472-1473. Tempera pe panou, înălțimea detaliului 28 cm. Pinacoteca, Vatican. Wga.hu.

Imaginile centrale au fost pictate de Cossa, dar el i-a încredințat complet predilei lui Ercole. Așa cum era obișnuit în atelierele din epoca Quattrocento, Kossa a conturat doar compoziția generală, altfel bazându-se complet pe Ercole. Se pare că acesta din urmă a început să picteze predelina de la stânga la dreapta, urmând conturul profesorului, întocmind cifrele mai detaliat pe măsură ce înainta. Maniera lui Ercole este apropiată de cea a profesorului său, iar unele scene chiar par a fi citate directe din frescele lui Cossa din Palazzo Schifanoia din Ferrara: în special, un copil mănâncă prăjituri în scena „Învierea unui evreu bogat” poate fi găsit în.

6.

Ercole de 'Roberti, I miracoli di San Vincenzo Ferrer (particolare). Predella della Pala Griffoni, 1473. Musei Vaticani, Città del Vaticano. prin intermediul

În utilizarea arhitecturii clasice, Ercole urmărește, de asemenea, intenția profesorului, mai degrabă decât să-și înfățișeze ruinele.

Stilul lui Ercole se manifestă într-un episod dramatic al unei femei care urla și muncitori care încearcă să stingă un foc. Acest episod este împrumutat de la Palazzo Scifanoia. În una dintre scenele lui Predella, Ercole prezintă o narațiune complexă pe un fundal bine planificat, deși fantastic, de fundal al obiectivelor arhitecturale și al ruinelor. Nu există granițe clare între diferitele episoade din predelină și întreaga compoziție arată mai degrabă ca un tablou narativ tipic pentru o casonă (piept de nuntă) sau spalliera (panou de perete decorativ) decât o predelină.

7.


Aceasta nu este Ercole de Roberti, aceasta este o copie din 1929. Fragment dintr-o copie a predeltei poliptiței Griffoni, păstrată în Galeria Națională din Londra. La Londra, predela inițială se ține sub numele de Francesco del Cossa, mai degrabă decât Ercole de Roberti / Scene din viața Saint Vincent Ferrer. Data realizării anului 1929. După Francesco del Cossa (Carrine Palmieri și Rosa Falcone). Creditul de achizitie: Prezentat de Papa Pius al XI-lea, 1930.30.5 x 215 cm. The National Gallery, Londra. Acest tablou este o copie a panoului de predelină a unui altar care se află inițial în capela Griffoni a bisericii S. Petronio, Bologna. Panoul central din secolul al XV-lea de Francesco del Cossa înfățișează „Sfântul Vincent Ferrer”, care a devenit fraier dominican în 1367 și a fost celebru ca predicator și misionar. Panourile laterale, aflate acum în Brera, Milano, îi arată pe Sfântul Petru și Sfântul Ioan Botezătorul. Designul este unificat prin arhitectură și peisajul stâncos. Panoul de predelină original (Roma, Muzeele Vaticanului) este atribuit și Ercole de „Roberti.

Iconografia sofisticată, care nu este încă descifrată pe deplin, sugerează că artistul ar fi trebuit să urmeze sfaturile savanților umaniști, precum Giovanni Garzoni din Bologna, autorul vieții Sfântului Vincenzo Ferrer, al cărui cult s-a răspândit în toată nordul Italiei și a fost deosebit de puternic la Bologna. În prima scenă din stânga, o femeie se roagă cu Sfântul Vincenzo pentru a-și alina durerile de muncă.

8.

Apoi vine „Învierea evreului bogat”.

9.


Fragment dintr-o copie a predeltei poliptiței Griffoni, păstrată în Galeria Națională din Londra. 1929 / The National Gallery, Londra.

Această scenă este urmată de un episod al unui bărbat așezat, al cărui picior însângerat este vindecat de Sfântul Vincenzo din cer. Aceasta este urmată de o imagine a focului stins în timp datorită intervenției sfântului.

Ultimele scene spun povestea unei mame care, într-o formă de nebunie, și-a ucis singurul fiu. Soțul ei aduce rămășițele băiatului la mormântul Sfântului Vincenzo, unde copilul revine miraculos la viață.

Scenele sunt pline de personaje îmbrăcate în cea mai recentă modă, iar de când Saint Vincenzo a fost celebru pentru convertirea și botezul unui număr mare de oameni din diferite țări, sunt prezenți și oameni îmbrăcați exotic. Mulțimea amintește de Paolo Uccello și Piero della Francesca.

11.


prin intermediul

Predela Ercole este una dintre cele mai sofisticate din arta renascentistă. Artistul își arată erudiția folosind referințe la arta antică. Printre ei se numără „Băiatul care scoate o despicătură” din bronz (Muzeele Capitolinei, Roma), prototipul unui bărbat așezat cu un picior rănit și Dioscuri din Quirinale din Roma, care amintesc de bărbații care luptă cu un foc într-o scenă a unui incendiu. Ercole este mai expresiv decât profesorul său.

El se simte în elementul său natal pe scara unei miniaturi, dar dragostea lui pentru detalii nu dăunează monumentalității generale a compoziției. Artistul a preluat creativ experiența Andrea Mantegna, folosind unghiurile sale ascuțite, așa cum se poate observa în imaginea calului de la marginea de jos a cadrului. Limita a fost pictată în culori strălucitoare și cu acea perfecțiune de bijuterii pe care ferranienii o apreciau atât de mult în pictura olandeză și la Cosme Tura. Deși criticii au remarcat constant atmosfera neliniștită dramatică a operelor lui Ercole, adevăratul semn al stilului său este lumina maro-aurie care inundă picturile sale și le conferă tensiunea metafizică care anticipează „piazzele” lui Giorgio de Chirico, un alt artist „irațional” care a iubit atât de mult melancolicul Ferrara. "

Intrare în catalogul Muzeelor \u200b\u200bVaticanului:
Autore: Ercole de "Roberti (Ferrara 1450 ca. - 1496) - deja atr. A Benozzo Gozzoli (Firenze 1420 - Pistoia 1497) e a Francesco del Cossa
Descriere / Titolo: Predella: Miracoli di San Vincenzo Ferrer: Il Santo guarisce una storpia; Resuscita una ricca ebrea; Salva un bimbo in una casa incendiata; Resuscita un bimbo ucciso dalla madre impazzita; Guarisce un ferito ad una gamba (deja "Miracoli di San Giacinto" di B. Gozzoli)
Datazione: 1473
Materia: tempera su tavola
Măsura: cm 30 x 215
Acquisizione periodică: 1908
Tipo Acquisizione: Ingresso in Pinacoteca di Pio X
Provenienza: dalla pala d "altare della Cappella Griffoni executata da Francesco del Cossa pe Biserica San Petronio a Bologna, smembrata nel sec. XVI; dal 1732 al 1782 ca. în casa Aldovrandi; venduta nel 1839 da Feliciano Governo Brizzio al esposta in Pinacoteca di Gregorio XVI (MORONI G., 1847); nel 1857 ca., in Pinacoteca di Pio IX
Collocazione: Edificio della Pinacoteca
Pinacoteca vaticana
Sala V

12.

Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì, (Forlì 1438 - 1494) Un angelo che suona il liuto, 1480 ca. Frammento di affresco staccato, cm 93,5 x 117 Inv. 40269.14.10. Muzeul Vaticani. ... Imagine de la wikipedia: 4296 x 5323

Melozzo degli Ambrosi, poreclit Melozzo da Forli (1438, Forlì - 1494, Forlì). 1480. Îngerii care cântă muzică - trei fragmente de fresce, transferate unui kadorit.

Melozzo da Forli. Îngerul cântând lauta 1480.117.5 x 93,5 cm.

„De la începutul secolului al XIV-lea, perioada captivității papei din Avignon, Roma a căzut în decădere, care a durat până la mijlocul secolului al XV-lea. Declinul Romei s-a reflectat în viața sa artistică: slăbiciunea școlii romane de pictură a obligat papii să apeleze la artiști din alte orașe.

Melozzo da Forlì, originar din micul oraș Forlì din provincia Emilia-Romagna, a fost invitat la Roma de Papa Sixtus al IV-lea. A creat numeroase fresce în bisericile romane, astfel încât Melozzo a putut fi considerat fondatorul școlii romane, care a înflorit în secolele XVI-XVII. Cei trei îngeri care cântă muzică prezentată la expoziție sunt fragmente din tabloul său pe cupola Bisericii lui Santi Apostoli, o imensă compoziție cu mai multe figuri „Înălțarea lui Hristos”.

13.

Melozzo da Forlì. Angeli, 1475-1477. prin intermediul

Melozzo degli Ambrosi, poreclit Melozzo da Forli. Îngerul cântând lauta 1480.108,5 x 77,5 cm.

„Fresca„ Înălțarea lui Hristos ”a fost percepută de contemporani ca un triumf al puterii papale, care a reînviat Roma. Orchestra divină a îngerilor a simbolizat frumusețea neobișnuită a paradisului, iar conceptul abstract de „muzică a cerului” este asociat cu construcțiile filozofice ale modelului lumii, despre care au vorbit pitagoreii și platoniștii. Melozzo, ca artist al Renașterii, combină tradițiile antice și creștine în opera sa. Îngerii Săi, glorificându-L pe Domnul potrivit cuvintelor Bibliei: „Fie ca ei să laude numele Lui cu fețe, pe timpan și psalterie, să-i cânte Lui, căci Domnul are plăcere în poporul Său, slăvește pe cei smeriți cu mântuire”, sunt ideali, precum statui antice și, în același timp, vitale - arată ca pagini tinere la curțile conducătorilor Renașterii ”.

14.

prin intermediul. Original (4201 x 5276)

Melozzo degli Ambrosi, poreclit Melozzo da Forli. Angel jucând viola. 1480.

„Nu atât de multe dintre lucrările lui Melozzo au ajuns la noi, cele mai multe fresce ale sale au pierit în timpul restructurării, dar prin ceea ce rămâne, se poate judeca amploarea talentului său. „Înălțarea lui Hristos” este excepțională, fresca se află în afară de toate picturile contemporane. Complotul, reprezentând triumful Mântuitorului, urcând pe tronul ceresc, înconjurat de forțe cerești, iubit în arta bizantină, a fost împrumutat de Europa Occidentală, a înflorit magnific în timpul romanicului, a continuat în gotic, dar nu a mai avut succes în Quattrocento. Melozzo, apelând la mostre medievale, a inspirat o nouă viață în ele și a reintrodus tema Înălțării în lista celor mai relevante teme ale artelor plastice, anticipând astfel Michelangelo, Rafael, Correggio și pictura pe cupolele bisericilor baroce. "

15.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Città della Pieve 1450 ca. - Fontignano 1523) S. Flavia; S. Placido, 1496 - 99 Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2,1. Muzeul Vaticani.

Pietro Vannucci, poreclit Perugino (1448, Citta della Pieve - 1523, Fontignano). Sfântul Placis. 1495-1498. Limită. Lemn, tempera ulei. 35,5 x 30 cm.

„Un originar din Umbria, Pietro Perugino, la sfârșitul secolelor XV și XVI, a devenit unul dintre cei mai influenți artiști din Italia și cu ateliere minunate la Florența și Perugia pline de discipoli, el, la fel de prolific pe cât este de talentat, a umplut bisericile din Toscana și Umbria cu multe dintre ale sale blânde Madonnas și sfinți evlavioși. Pictura este un exemplu fin al stilului său matur.

Există doi sfinți cunoscuți ai lui Placis: un martir care a fost ucis împreună cu sora sa Flavia în timpul domniei împăratului Dioclețian în secolul al IV-lea și un discipol al Sfântului Benedict care a trăit în secolul al VI-lea. Perugino, combinând ambele legende, l-a prezentat pe sfânt într-o casă, dar cu o ramură de palmier care simbolizează martiriul, un atribut al fratelui său Flavia ".

16.


Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Città della Pieve 1450 ca. - Fontignano 1523). S. Flavia; S. Placido, 1496 - 99. Tempera grassa su tavola Invv. 40319, 40320, 40321 -2,1. Muzeul Vaticani.

Pietro Vannucci, poreclit Perugino. Sfânta Justina. 1495-1498. Limită. Lemn, tempera ulei. 33,5 x 26 cm.

„Această pictură, la fel ca Sfântul Placis, a făcut parte dintr-un mare altar„ Înălțarea lui Hristos ”creat pentru Mănăstirea San Pietro din Perugia între 1495 și 1500. Din cauza confuziei cu Sfântul Placis, până de curând se credea că Sfânta Flavia a fost înfățișată, dar acum s-a dovedit că aceasta este Sfânta Justina, hramul comunității benedictine a mănăstirii San Pietro - coroana de pe cap, o prințesă prin naștere, este un atribut tradițional.

17.

„Sfânta Justina” se remarcă pentru aceeași calitate de execuție ridicată ca „Sfântul Placis”, dar pentru istoria artei, aceste două tablouri sunt importante și pentru că făceau parte din altarul „Înălțarea lui Hristos”, care a fost creat chiar la vremea când un Rafael foarte tânăr a apărut în atelierul Perugino ".

18.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Roma 1520). Speranza - Carità - Fede, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44 ciascun pannello Invv. 40330, 40331, 40332 - Fede. Muzeul Vaticani.

Raphael Santi (1483, Urbino - 1520, Roma). Credință și îndurare. 1507. Limita. Lemn (plop), ulei. Ambele au 18 x 44 cm.

Rafael. Vera

„Poate că nu există un artist mai influent în istoria artei decât Raphael. Timp de trei secole și jumătate, numele său a fost sinonim cu perfecțiunea absolută în artă.

Primele recenzii critice au fost auzite la mijlocul secolului al XIX-lea, apoi numărul criticilor săi s-a extins, manifestele noii arte i-au subvertit autoritatea, dar negarea este un fel de recunoaștere. Nu este o coincidență că operele lui Rafael sunt plasate în centrul sălii dedicate Înaltei Renașteri și barocului.

19.

Opțiune pentru reconstrucția altarului Baglioni / Raphaël, La Déposition, 1507 / Pala Baglioni. via, via

Acestea sunt două mici grisaille din cele trei care alcătuiau predeleta altarului pentru biserica San Francesco al Prato din Perugia, cunoscută sub numele de altarul Baglioni, în centrul căreia se afla Înmormântarea, acum păstrată în Galleria Borghese.

20.


Raffaello Sanzio. Fede, Predella Baglioni, 1507. Musei Vaticani.

"Credința", partea predelinei, apare ca o figură feminină cu un potir în mână, putti în nișele laterale țin tablete cu monograme ale numelui lui Isus ".

21.


Raffaello Sanzio, (Urbino 1483 - Roma 1520). Carità, Predella Baglioni, 1507. Tempera grassa su tavola, cm 18 x 44. ciascun pannello Invv. 40330, 40331, 40332 Speranza. Muzeul Vaticani.

Rafael. Milă

„Altarul, din care făceau parte Credința și îndurarea, a fost comandat de Atalanta Baglioni pentru capela funerară în care s-a odihnit cadavrul fiului ei cel mic, care a fost ucis cu brutalitate în lupta internă dintre două familii perugiene. Raphael a fost însărcinat să creeze altarul la mijlocul anului 1506. Aceasta a fost prima importantă lucrare independentă, deoarece nu mai primise ordine pentru altare. Locația Altarului în Sicrie a fost mult lăudată, dar noutatea în prestația micii predelete a fost remarcată în special.

22.


Raffaello Sanzio. Carità, Predella Baglioni, 1507. Muzeul Vaticani.

În secolul al XV-lea, predela a povestit, care era norma acceptată, Raphael a înlocuit povestea cu alegorii. Mercy, reprezentată ca o mamă care îmbrățișa copii, era în centru, încadrată de Faith și Hope. Putto din dreapta poartă pe umeri o căldură de foc - un simbol străvechi al păcii asociat cu Jocurile Olimpice, iar cel stâng, care împrăștie bani, solicită generozitate. "

23.

Antonio da Correggio (1490-1534). Hristos în slavă (parte a unui trriptic). Circa 1526-1530. 105 × 98 cm. Pinacoteca Vaticana. prin intermediul. Încadrat la expoziție

Antonio Allegri, poreclit Correggio (1489, Correggio - 1534, Correggio). Hristos în slavă. Între 1525 și 1530. Pinnacle - vârf de altar. Pânză, ulei. 105 x 98 cm.

„Faima lui Antonio Correggio în timpul vieții sale s-a limitat la Parma, în care s-au concentrat principalele sale opere, dar după moartea sa a devenit unul dintre cei mai respectați pictori italieni. Această pictură, apreciată în secolul al XVIII-lea și în prima jumătate a secolului XIX, a fost declarată o copie în secolul XX și îndepărtată în magazie.

24.

Trittico della Misericordia

Abia în 2011 a fost restaurată și, în același timp, s-a stabilit că pânza este din secolul al XVI-lea, iar pe figura și chipul lui Hristos sunt vizibile numeroase corecții ale drepturilor de autor, care nu există în copii. Autoria lui Correggio a fost recunoscută drept indubitabilă, iar imaginea a luat mândrie în expunerea Pi-nakoteka. Este interesant să comparăm „Hristos în glorie” cu icoana care începe expoziția - imaginea lui Correggio continuă dezvoltarea tipului iconografic antic, provenit din Bizanț ”.

25.

Paolo Caliari, detto il Veronese, (Verona 1528 - Venezia 1588) Visione di S. Elena, 1580 ca. Olio su tela, cm 166 x 134 Inv. 40532.

Paolo Cagliari, poreclit Paolo Veronese (1528-1588). Viziunea Sfintei Elena. În jurul anilor 1575-1580. Pânză, ulei.

„Pictura lui Paolo Veronese este luxoasă în stil venețian. Înfățișează Sfânta Elena, mama lui Constantin, primul împărat creștin al Romei. Conform legendei, un înger i-a apărut Elenei, care a determinat-o să meargă la Ierusalim în căutarea crucii lui Isus. În mod tradițional, sfântul a fost înfățișat ca lucrători conducători care săpau o cruce sau ținea o cruce găsită în mâinile ei. Veronese a înfățișat-o pe Elena adormită și un înger care ținea o cruce, chemat să arate drumul către Țara Sfântă, i-a apărut într-o viziune. Vârsta persoanei înfățișate contrazice textul canonic al biografiilor: Sfânta Elena, când a mers la Ierusalim, avea mulți ani, iar eroina Veronese era tânără. O interpretare gratuită a legendei a dat naștere presupunerii că elegantul venețian din imagine, a cărui imagine este aproape portret, este soția lui Veronese, care a fost numită și Elena ".

Michelangelo Merisi, poreclit Caravaggio (1571-1610). Poziția în sicriu. În jurul anilor 1603-1604. Pânză, ulei. 300 x 203 cm.

Steaua principală a expoziției este tabloul „Înmormântarea” de Caravaggio. În 2011, lucrarea a fost deja la Moscova la expoziția "" de la Muzeul de Stat al Artelor. LA FEL DE. Pușkin. Din anumite motive, în contextul expoziției din Galeria Tretyakov, acest lucru nu este amintit foarte mult.

Descrierea tabloului din articolul pentru expoziția de la Muzeul Pușkin: „Caravaggio a atins cea mai înaltă maturitate creativă până în 1606, când a pictat mai multe tablouri monumentale pentru cele mai cunoscute biserici romane, inclusiv Sf. Petru. Una dintre cele mai cunoscute lucrări ale acestei perioade - opera „Entombment” (1606, Muzeele Vaticanului, Pinakothek), care uimește cu veridicitate în transmiterea sentimentelor și intensitatea dramatică puternică. După cum reiese din documente, pentru a înțelege imaginea, este extrem de important să ne amintim rolul activ al ordinului oratorian, căruia i-a aparținut catedrala; au stabilit reguli stricte cu privire la decorarea capelelor și la iconografia subiectelor. Lumina scoate personajele din întunericul obscur, își dezvăluie trăsăturile și sentimentele: mama îmbătrânită a lui Hristos, păcătosul convertit Maria Magdalena, Maria Kleopova, „discipolul iubit” al lui Ioan și Nicodim. Un grup de figuri formează un fel de compoziție sculpturală, iar privitorul devine participant la scenă datorită unghiului de vedere (de jos, de la piatră) și aspectului lui Nicodim, cu imaginea căruia cercetătorii văd portretul clientului, Pietro Wittrice. Distribuția luminii în imagine este strict gândită, datorită căreia Caravaggio reușește să regizeze privirea privitorului. Pictura combină elemente și personaje din două comploturi - „Plasarea în Mormânt” (în care, potrivit Evangheliilor, Iosif de Arimatea, Magdalena și Maria Cleopova erau prezente) și „Lamentare” (care înfățișează de obicei Maica Domnului și Sfântul Ioan Evanghelistul). O asemenea combinație a fost dictată de programul iconografic al bisericii, care a fost în concordanță cu planul însuși Filippo Neri, fondatorul ordinului oratorian. Caravaggio adaugă un element care poartă o mare încărcătură emoțională compoziției - o placă colosală de piatră pe care stau eroii. Aceasta este o piatră care închide intrarea în peștera de înmormântare și, în același timp, o piatră de ungere, pe care a fost așezat trupul Mântuitorului pentru ungere cu tămâie și mlaștină, unde au căzut lacrimile și picăturile mamei Fiului. Placa se referă direct la Hristos drept piatra de temelie care unește Vechiul și Noul Testament - piatra pe care se bazează Biserica, înțeleasă ca „trupul lui Hristos” și reprezentată simbolic aici de corpul Mântuitorului ”.

27.


Caravaggio. Entombment, fragment. În jurul anilor 1603-1604. Pinakothek Vatican

Descrierea tabloului în broșura Galeriei de la Tretyakov: „Principala capodoperă a expoziției este Entombment de Caravaggio. Această imagine deschide un nou secol. Iconografia neobișnuită este asociată cu apelurile la curățarea Bisericii Catolice și la întoarcerea la simplitatea creștinismului antic, emanată de multe figuri ale Contrareformei, dar lucrarea, așa cum se întâmplă deseori, s-a dovedit a fi mult mai semnificativă decât orice calcul ideologic. A fost percepută ca la începutul secolului XX lucrările avangardei au fost percepute. „Entombment” cu tragedia sa deschisă și puterea de simplitate s-au revoltat împotriva bunului gust legalizat. Când s-a deschis tabloul, mulți au fost indignați, dar mulți, inclusiv artiști și colecționari, printre care aristocrați și cardinali, au salutat noua artă ".

28.

Nicolas Poussin, (Les Andelys 1594 - Roma 1665) Martirio di S. Erasmo, 1628 - 1629. Olio su tela, cm 320 x 186 Inv. 40394. Musei Vaticani.

Nicolas Poussin (1594-1665). Martiriul Sfântului Erasmus. 1628-1629.

„Poussin a primit un ordin pentru retablul„ Martiriul Sfântului Erasmus ”în 1628, iar acesta a fost primul său ordin roman pentru executarea unei mari lucrări pentru biserică. Pictura era destinată capelei din Catedrala Sf. Petru, care tocmai fusese deschisă după finalizarea construcției, iar comanda era foarte prestigioasă. Tabloul înfățișează martiriul lui Erasmus, originar din Antiohia, care a devenit episcop în orașul Formia din Latium, lângă Roma, care a fost executat prin a-și deschide stomacul și a scoate găturile cu o poartă. Un preot în togă albă arată spre Hercule, pe care Erasmus a refuzat să îl închine. Naturalismul îngrozitor este oarecum netezit de clasicul clasic Poussin, dar imaginea face încă o impresie aproape șocantă.

29.


Nicolas Poussin. Martirio di S. Erasmo, 1628-1629. Muzeul Vaticani.

În timpul vieții sale, Poussin a fost considerat antagonistul lui Caravaggio, dar Martiriul Sfântului Erasmus, expus în aceeași cameră cu The Entombment, intră cu el nu într-un argument, ci într-un dialog intern complex. "

surse:

Broșură-broșură „Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek din Vatican. Bellini, Raphael, Caravaggio ". 25 noiembrie 2016 - 19 februarie 2017. (Din anumite motive, broșura cu descrierea exponatelor nu are datări și alte atribuții - este dat doar numele autorului și titlul operei).
Catalog: Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek din Vatican. Bellini, Raphael, Caravaggio / Gos. Galeria Tretyakov - M., 2016 .-- 240 p. : bolnav. ISBN 978-5-89580-152-9
etc.
Un articol pe site-ul Muzeului Pușkin despre expoziția „Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) din colecțiile din Italia și Vatican”, 26.11.2011 - 19.02.2012

În plus,:

Toate lucrările expoziției:

1): de la pictograma secolului al XII-lea „Binecuvântarea lui Hristos” la „Lamentarea lui Hristos” de Giovanni Bellini. Sala 1.
2): de la Ercole de Roberti la Veronese. Caravaggio. Poussin. Sali 1 și 2.
3): secolul XVIII, Observații astronomice, Donato Creți. Sala 3
4): secolele XVII și XVIII - picturile rămase. Sala 2.

34 de lucrări și o serie de 8 tablouri de Donato Créti din expoziția permanentă a Pinakothek au fost aduse la Moscova. Sunt prezentate lucrări din secolele XII-XVIII. Aceasta este a zecea parte a colecției, care include 460 de lucrări. Este interesant faptul că o serie de tablouri și-au părăsit pereții nativi pentru prima dată. Majoritatea tablourilor au fost selectate pentru expoziție de către directorul Galeriei Tretyakov, Zelfira Tregulova, și de curatorul, critic de artă și curator al departamentului de gravură al Schitului, Arkady Ippolitov.

O expoziție reciprocă din colecția Galeriei Tretyakov va merge la Vatican în toamna viitoare.

Muzeele Vaticanului este un muzeu pentru istoria Romei și a artei romane. Aici puteți studia toate cele șapte secole din istoria statului papal. Fiecare cameră a Pinakothek este dedicată unui secol. A opta sală este dedicată lucrărilor lui Rafael.

Directorul adjunct al Muzeului Vaticanului Barbara Yatta vorbește despre istoria Muzeelor \u200b\u200bVaticanului și mai multe despre Pinakothek. Expoziția actuală - „Aceasta este o selecție foarte simbolică și unică din colecția Muzeelor \u200b\u200bVaticanului ... Însăși aranjarea lucrărilor ne permite să înțelegem conexiunea istorică. Expoziția arată modul în care fiecare lucrare se află într-una sau alta hală a Pinakothek ... ”.

"Această expoziție este o contribuție la relațiile dintre țările noastre și, cel mai important, este ceea ce va lăsa o amprentă în sufletele oamenilor ruși ...".

Sunetul limbii italiene este o mare oportunitate suplimentară de a înțelege însăși spiritul școlii de pictură romane pe care au dorit să le transmită organizatorii.

SALA I

1 (stânga). Școala romană. Hristos Binecuvântarea. Secolul XII Altar. Tempera pe pânză lipită de lemn.
„Expoziția începe cu cea mai rară icoană antică„ Hristos Binecuvântarea ”, creată în a doua jumătate a secolului al XII-lea de un maestru care lucrează la Roma sub influența picturii bizantine. Înainte de a intra în Pinacoteca, ea se afla în biserica Santa Maria din Campo Marzio, una dintre cele mai vechi din Roma. Stăpânul roman l-a prezentat pe Iisus Hristos după chipul lui Pantokrator, adică conducătorul Universului și al icoanei, fiind o analogie a vechilor imagini rusești ale Mântuitorului Atotputernic, păstrează memoria unității Bisericii creștine înaintea schismei, adică înainte de împărțirea ei în catolici și ortodocși și arată o relație directă între italian și rus. arta emanând dintr-o rădăcină ”.

Dar ce căi diferite a luat arta țărilor noastre în viitor! În pereții Galeriei Tretyakov, acest lucru este resimțit mai ales.
Credință sinceră vine din aceste două tablouri, cea mai veche din expoziție.

2. Margaritone di Magnano, poreclită Margaritone d "Arezzo c. 1216-1290).
Sfântul Francisc din Assisi. 1250-1270. Altar. Tempera pe lemn, aur. 127.2x53.9 cm.
"Margaritone d" Arezzo, născut înainte de Giotto și Duccio, este unul dintre cei mai mari pictori ai Italiei medievale. Pictura a fost inclusă în toate manualele de istorie a artei ca un exemplu de excepție al stilului romanic târziu, dar este, de asemenea, interesantă, deoarece este una dintre cele mai vechi picturi ale sfântului. Francisc din Assisi, realizat la scurt timp după canonizarea sa în 1228. Sf. Francisc a jucat un rol important în istoria Bisericii occidentale, nu fără motiv că numele său a fost ales de actualul papă, care a devenit primul Francisc din istoria Vaticanului. Această lucrare ar fi putut fi exact opera pe care Vasari a scris-o în Viața sa de Margaritona „a fost descrisă ca fiind pictată din viață, astfel încât poate fi considerată aproape unul dintre primele portrete din pictura italiană”.

7 (stânga). Gentile da Fabriano (c. 1370-1427).
Scene din viața Sfântului Nicolae Minunatul: Sfântul Nicolae calmează furtuna și salvează nava. O.K. 1425. Limita. Tempera pe lemn.
„O parte a predilei Gentile da Fabriano, unul dintre cei mai captivanți maeștri ai goticului tarziu italian, povestește despre miracolul realizat de Nicolae Minunea, Arhiepiscopul Myra din Lycia, la fel de venerat de bisericile ortodoxe și catolice. Pe o corabie prinsă într-o furtună și sortită să piară, marinarii au oferit o rugăciune Sfântului Nicolae, iar el a venit în ajutor. Artistul înfățișează momentul în care sfântul se grăbește din cer pentru a salva marinarii. Sirena plutind în valuri, conform simbolismului medieval, personifică forța demonică care a provocat furtuna, dar Gentile da Fabriano, împrăștiat în apele locuitorilor fantastici din marea adâncă, transformă povestea edificatoare a victoriei asupra diavolului într-un miraj pitoresc minunat. "

8 (pe dreapta). Guido di Pietro, poreclit Fra Beato Anglico (c. 1395-1455).
Scene din viața Sfântului Nicolae Minunatul. În jurul anului 1447-1449 (?). Limită. Tempera pe lemn, aur.
„Guido di Pietro a fost îngrijit sub numele fratelui său Giovanni, dar Vasari îl poreclase deja Angelico, Angelic, atât pentru farmecul artei sale, cât și pentru blândețea personajului său. Mai târziu, la poreclă i s-a adăugat adjectivul „Beato” și a intrat în istoria artei sub numele de Fra Beato Angelico, Fratele Angelic Fericit. În 1982, Papa Ioan Paul al II-lea l-a canonizat oficial, iar acum a devenit patronul ceresc al artiștilor. Acesta este cel mai blând și mai poet poet al secolului al XV-lea florentin. Această lucrare este dedicată minunilor Sfântului Nicolae, realizate de el după moartea sa. În dreapta, Sfântul Nicolae salvează o corabie de la distrugere, pe stânga, se adresează marinarilor care navigau din Alexandria cu o încărcătură de cereale pentru împăratul roman. El le cere să dea cereale pentru a-și salva orașul natal de foame și promite că acest lucru nu va reduce povara ".

10 (stânga). Carlo Crivelli (1435-1494).
Doliu. 1488. Lunetta. Tempera pe lemn, aur.
„Carlo Crivelli, un venețian de la naștere, și-a părăsit orașul natal timpuriu și a devenit celebru în regiunea Marche. A fost popular în timpul vieții sale, dar mai târziu a fost uitat și redescoperit abia la sfârșitul secolului XIX. Această lunetă, care a încununat marele altar, este una dintre cele mai marcante lucrări ale sale. De dragul expresivității, artistul este în căutarea unor încălcări evidente ale proporțiilor, iar pentru a țese mâinile lui Isus, Fecioara Maria și Magdalena împreună, Crivelli face mâna dreaptă a lui Hristos mult mai mult decât cea stângă. Fața Magdalenei, aplecată peste nodul palmelor, distorsionată de plâns, devine centrul emoțional al imaginii. Cea mai puternică influență a goticului nordic este resimțită în lucrare și se caracterizează prin acea incredibilă intensitate a experienței psihologice caracteristice mișcărilor religioase mistice ale secolului al XV-lea. "

11 (in centru). Giovanni Bellini (c. 1432-1516).
Lamentarea lui Hristos cu Iosif din Arimatea, Nicodim și Maria Magdalena. O.K. 1471-1474. Altarul de sus. Ulei pe lemn. 107x84 cm.
„Bellini este cel mai mare pictor al școlii venețiene din secolul al XV-lea. Acest tablou este una dintre capodoperele sale. Era vârful unui mare altar, iar în compoziția ei Bellini face un pas decisiv spre măreția calmă a Înaltei Renașteri, depășind mulți dintre artiștii săi florentini contemporani. Lucrarea este de avangardă pentru faptul că este pictată în ulei, într-o tehnică complet nouă pentru Italia, adusă tocmai la Veneția din Olanda. Iconografia este de asemenea originală. De obicei, persoana principală în scena doliu este Fecioara Maria. Aici sunt înfățișați doar Iosif din Arimatea, Sfântul Nicodim și Maria Magdalena, sprijinindu-l pe Isus din spate. Tăcerea în care se scufundă personajele, subliniată de tensiunea brațelor împletite, oferă acestei scene o acuitate psihologică rară.

9 (pe dreapta). Ercole de Roberti (c. 1450-1496).
Miracolele Sf. Vincenzo Ferrer. 1473. Limita. Tempera pe lemn.
"În secolul al XV-lea, Ferrara a înflorit sub ducii d'E" Este, devenind un centru cultural influent al Renașterii Italiei. Ercole de Roberti este unul dintre cei mai originali artiști ai școlii Ferrara. Predela sa este considerată predela cea mai sofisticată a Renașterii. Este dedicată faptelor sfântului spaniol Vincenzo Ferrer și este plină de mistere. și spiritul seducător al lui Ferrara. Sunt prezentate următoarele episoade (de la stânga la dreapta): vindecarea unei femei în muncă - un peisaj - învierea unui evreu bogat - vindecarea unui bărbat șchiop - salvarea unui copil dintr-o casă arzătoare - un copil ucis de o mamă nebună - învierea unui copil Iconografia predelinei nu este pe deplin descifrată, iar artistul își arată erudiție, combinând extravaganța gotică cu referiri la arta antică ".

14.15. Melozzo degli Ambrosi, poreclit Melozzo da Forli (1438-1494).
Îngerii jucând lauta. 1480. Fragmente dintr-o frescă scoase din zid. Dimensiunea celui drept: 117x93,5 cm.
Artistul „... a fost invitat la Roma de Papa Sixtus al IV-lea. A creat numeroase fresce în bisericile romane, astfel încât Melozzo a putut fi considerat fondatorul școlii romane, care a înflorit în secolele XVI-XVII. Trei îngeri care cântă muzică sunt fragmente din tabloul său pe cupola Bisericii lui Santi Apostoli, o imensă compoziție cu mai multe figuri „Înălțarea lui Hristos”.
Fresca a fost percepută de contemporani ca un triumf al puterii papale, care a reînviat Roma. Orchestra divină a îngerilor a simbolizat frumusețea nestăvilită a paradisului, iar conceptul abstract de „muzică a cerului” este asociat cu construcțiile filozofice ale modelului lumii, despre care au vorbit pitagoreii și platoniștii. Melozzo, ca artist al Renașterii, combină tradițiile antice și creștine în opera sa. Îngerii Săi, glorificându-L pe Domnul conform cuvintelor Bibliei: „Fie ca ei să laude numele Lui cu chipuri, pe timpan și psalterie, să-i cânte Lui, căci Domnul are plăcere în poporul Său, slăvește pe cei smeriți cu mântuire”, sunt ideali, precum statui antice și, în același timp, vitale - arată ca pagini tinere la curțile conducătorilor Renașterii ”.


Printre multitudinea de crucifixuri, doliu, plasarea într-un sicriu și alte subiecte tragice, secțiunea expoziției cu trei îngeri-muzicieni este ca un colț strălucitor al paradisului, o luptă pentru suflet. Ele se caracterizează prin ușurință, lipsă de exaltare, teatralitate deliberată. Rugozitatea și plictisirea frescii atrag privirea.

Povestea Pinakothek-ului lui Barbara Yatta și continuarea excursiei, ascultă și urmărește

Rafael. Vera. 1507 Muzeele Vaticanului.

La expoziție curat de Arkady Ipollitov (Schitul de Stat), 42 de tablouri ... Niciodată Muzeele Vaticanului, care sunt printre cele mai mari zece colecții mondiale, au exportat în același timp un număr semnificativ de lucrări remarcabile din expoziția permanentă, astfel încât expoziția va deveni un eveniment nu numai pentru Rusia și Europa, ci pentru întreaga lume.

« Roma Aeterna ... " - parte a unui proiect amplu: în 2017, Vaticanul va găzdui o expoziție reciprocă, o parte semnificativă a exponatelor sale vor fi lucrări de pictură rusă bazate pe subiecte din Evanghelie din colecția Galeriei Tretyakov.

Este destul de firesc să organizăm o expoziție de pictură, preponderent a școlilor italiene și predominant romane, la Galeria State Tretyakov, cea mai mare colecție de pictură rusă. Legătura spirituală dintre Moscova și Roma s-a conturat în secolul al XVI-lea, iar acest proiect comun este rezultatul cel mai important al interacțiunii a două culturi: cultura Romei, ca întruchipare a europeanității și cultura Moscovei, ca întruchipare a rusității. Desigur, printre marile lucrări prezentate la expoziție, se pot găsi numeroase analogii și paralele cu arta rusă.

Scopul spectacolului este să prezinte atât colecția Pinakothek, o secțiune a Muzeelor \u200b\u200bVaticanului, cât și spiritul Romei, marele oraș. Colecția Pinakothek a fost creată ca o colecție a statului, al cărui șef este un cleric, care se reflectă în compoziția sa - aceasta este cea mai mare colecție de pictură religioasă. Religia este o formă de înțelegere a lumii, deci arta religioasă nu se limitează la un set de subiecte biblice sau evanghelice, iar colecția Pinakothek din Vatican ne spune exact despre acest lucru. Este la fel de diversă precum cultura Romei, motiv pentru care numele expoziției include expresia latină Roma Aeterna, „Roma eternă”. Acest lucru înseamnă acea imensă unitate culturală pe care Roma a devenit în istoria omenirii, un oraș în același timp, antic și modern, unind epoci diferite precum Antichitatea, Evul Mediu, Renașterea și Barocul într-un singur întreg. Roma este centrul imperiului, centrul religiei și centrul artei: putem spune că conceptul de Roma Aeterna este una dintre cele mai importante idei ale culturii mondiale. Expoziția de la Galeria Tretyakov este dedicată acestei idei.

Fiecare piesă prezentată la expoziție este exclusivă. Începe cu un exemplu rar de școală romană din secolul al XII-lea, imaginea „Binecuvântării lui Hristos”, care nu fusese niciodată expusă la expoziții temporare și nu părăsise niciodată Vaticanul. Această lucrare străveche și mare, aproape de pictura bizantină, este de asemenea interesantă, deoarece dezvăluie rădăcinile comune ale artei italiene și ruse. Această imagine, care păstrează amintirea unității creștinismului înainte de schismă, este urmată de opera lui Margaritone d’Arezzo „Sfântul Francisc de Assisi” (sec. XIII). Este inclusă în toate manualele despre istoria artei și este valoroasă pentru a fi una dintre cele mai vechi reprezentări ale sfântului care a jucat un rol important în istoria Bisericii occidentale. Numele lui a fost ales de actualul papă, care a devenit primul Francisc din istoria Vaticanului. Există și lucrări ale maeștrilor gotici, care sunt extrem de rare în colecțiile rusești. Printre ei se află „Isus înaintea Pilatului” de Pietro Lorenzetti, care răspunde într-un mod ciudat faimosului tablou de Nikolai Ge.

Două predele (predelina - partea inferioară a altarului), care spune povești din viața lui Nicolae Minorul, Arhiepiscopul Myra din Lycia, la fel de venerat de bisericile ortodoxe și catolice, stă la granița goticului și a Renașterii. Una dintre ele aparține periei lui Gentile da Fabriano, completând epoca goticului internațional din Italia, ale cărei opere nu sunt numai absente în colecțiile rusești, dar nu au fost expuse deloc în Rusia, a doua - de Fra Beato Angelico, marele florentin al Renașterii timpurii.

Două tablouri aparțin momentului culmea Renașterii: Miracolele Sf. Vincenzo Ferrer de Ercole de Roberti , una dintre cele mai interesante lucrări ale celui mai mare maestru al școlii din Ferrara,

și Lamentare pentru Hristos de venețianul Giovanni Bellini.

Nu există lucrări ale ambelor în Rusia. Cea mai mare avere este că expoziția va arăta fresce care înfățișează îngeri de Melozzo da Forli furnizate de Pinakothek pentru expunerea la alte muzee în cazuri izolate. Picturile pictate de acest artist, considerate unul dintre cei mai mari pictori din Quattrocento, au fost scoase din cupola absidei în timpul reconstrucției Bisericii Santi Apostoli din Roma și acum împodobesc camera specială a Pinakothek. Lucrările lui Melozzo da Forli sunt atât de rare încât în \u200b\u200bvaloare sunt apropiate de cele mai cunoscute opere ale lui Sandro Botticelli și Piero della Francesca. Reproduse în număr mare pe diverse suveniruri, îngerii săi au devenit semnul distinctiv al Romei.

Înalta Renaștere, adică secolul al XVI-lea, este reprezentată de capodoperele lui Perugino, Raphael, Correggio și Paolo Veronese.

Roma papală a atins cea mai mare putere în secolul al XVII-lea, în epoca barocă, iar colecțiile papale reprezintă pictura acestui secol particular în mod complet și genial. O capodoperă a acestui timp la expoziție - Înmormântarea de Caravaggio.

Retablul lui Nicolas Poussin "Martiriul Sfântului Erasmus" , cea mai mare lucrare a artistului, scrisă în special pentru Bazilica Sf. Petru. Această lucrare a fost una dintre cele mai faimoase picturi ale catedralei și a trezit admirația multor artiști ruși care au locuit în Roma.

Epoca barocă include și lucrările caravaggiștilor și artiștilor școlii din Bologna (Lodovico Carracci, Guido Reni, Guercino), perfect reprezentate în colecțiile papale. Expoziția se încheie cu o serie de tablouri din secolul al XVIII-lea, de fapt, din secolul trecut, când papalitatea a jucat un rol de stat. Această serie Bologna Donato Creti este dedicat observațiilor astronomice și completează logic istoria lui Lo Stato Pontificio, statele papale, care curând a încetat să mai existe și a devenit Vaticanul, Lo Stato della Città del Vaticano.

Catalogul expoziției include articole ale curatorului și angajatului Muzeelor \u200b\u200bVaticanului și a părții albumului, care include toate lucrările expuse cu adnotări detaliate.

Susținerea expoziției și publicarea unui catalog pentru aceasta ar fi fost imposibilă fără sprijinul pe scară largă al A.B. Usmanov „Artă, știință și sport”. Relația dintre Galerie și Fundație are o istorie lungă: în 2006, evenimentele aniversare dedicate 150 de ani de la muzeu au fost susținute, în 2006-2007 - experiența de succes a unei lucrări comune la o expoziție de James Whistler, în 2007 - pe o retrospectivă a lui Dmitry Zhilinsky. Această expoziție este cel mai mare și fără precedent proiect internațional al Galeriei Tretyakov din ultimii ani.

Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek din Vatican. Bellini, Raphael, Caravaggio
25 noiembrie - 19 februarie 2017
Linia Lavrushinsky, 12

Pretul biletelor la expozițiile "Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek din Vatican. Bellini, Raphaël, Caravaggio" și "Pictura și grafică din secolele XVIII-XX din colecția Galeriei de Artă Primorsky":

RUB 500 - adulți

RUB 150 - pentru următoarele categorii preferențiale:

pensionarii,
Eroii Uniunii Sovietice, Eroii Federației Ruse, Cavaleri Plini ai Ordinului Gloriei,
studenți ai instituțiilor de învățământ secundar și secundar de specialitate (de la 18 ani),
studenți ai instituțiilor de învățământ superior din Rusia, inclusiv cetățeni străini - studenți ai universităților ruse (cu excepția studenților stagiari)
studenți ai facultăților specializate în domeniul artelor plastice, instituțiilor de învățământ secundar specializate și superioare ale Rusiei, indiferent de forma de învățământ (inclusiv cetățeni străini - studenți ai universităților ruse). Nu se aplică persoanelor care prezintă documente de identitate pentru studenți pentru „studenți stagiari”;
artiști, arhitecți, designeri - membri ai uniunilor creative corespunzătoare din Rusia și subiecții acesteia;
membri și angajați ai Academiei Ruse de Arte;
critici de artă - membri ai Asociației Criticilor de Artă din Rusia și subiecții acesteia;
angajații muzeelor \u200b\u200bdin sistemul Ministerului Culturii al Rusiei și autoritățile executive relevante ale entităților componente ale Federației Ruse.

Gratuit - pentru următoarele categorii preferențiale:

Pentru persoanele sub 18 ani;
membri ai Consiliului Internațional al Muzeelor \u200b\u200b(ICOM);
veterani și invalizi ai Marelui Război Patriotic, combatanți (cetățeni ai Rusiei și ai țărilor CSI);
persoane cu dizabilități din grupurile I și II (cetățeni ai Rusiei și ale țărilor CSI);
militarii în termen;
o persoană însoțitoare cu o persoană cu handicap din grupul I sau un copil cu handicap (cetățeni ai Rusiei și ai țărilor CSI)

O vizită la expoziția "Roma Aeterna. Capodopere ale Vatican Pinakothek. Bellini, Raphael, Caravaggio" este organizată prin sesiuni. Numărul de persoane în sesiune este limitat din motive de confort al vizitatorilor și condițiile climatice adecvate pentru a expune capodopere valoroase.

Bilete online pentru datele expoziției
"Roma Aeterna. Capodopere ale Pinakothek-ului Vaticanului. Bellini, Raphael, Caravaggio"
vândut înainte de 30 decembrie 2016.

Biletele pentru zilele rămase ale expoziției vor fi puse în vânzare
aproximativ 15 decembrie.